書籍版「クリエイト・フォー・パーソナリティ」

　in the blue shirt初のエッセイ集、書籍版「クリエイト・フォー・パーソナリティ」の予約を開始しました。リアル販売は5/4の文フリ東京からです。デザインは吉川和弥が担当です。まあsubstackでの内容と大体同じなので、このメルマガ読者的にはお布施ポジションの商品となっています。

　元々縦書き文庫で本を出したくて始めたのに、数理モデルの併記の必要性から、試行錯誤の果てに泣く泣く横書きにしました。内容はほぼメルマガの通りなのですが、全編がっつりリライト＋追記しつつ、数理モデルとの対応が明確になるようにしています。デザインはかなり最高です。この文章を矢印モチーフで表現するのいいなーと思いました。あとおれはワンピースの軍子(アロアロの実の矢印人間)が好き。テンション上がって特設サイトも作りました。

MV「Dream of You」

　Critter&Guitari のEYESYというビデオシンセをかれこれ5年くらい愛用しているのですが、そこで培ったpython映像芸をもうそろそろ作品にしないとなーと思い立って作りました。曲もかなり気に入っています。自信作。

シングル「Imagine You, Through Me」

現場では散々かけてた曲をようやく音源化。4/10リリースです。chenglouさんが作ったpretextというJavaScript/TypeScriptの文字回り込みライブラリが面白そうだったので使ってみたいという理由のみで告知映像も作りました。
bibioのこれからシルエット芸、

同じくbibioのfeelingから左右反転配置芸を参照し、

配置された犬の周囲をテキストがリアルタイムで回り込むというアイディアでした。安直！

ホームページリニューアル

https://intheblueshirt.com/

ホームページをぬくもりの手書きでリニューアルしました。wordpress脱出に成功したけどヘトヘトです。

制作の価格表を出せvsそんなもの時と場合によるんだから出すな論争の折衷案として、謎のヒートマップを作りましたが、果たしてどうなんでしょうか。すぐ取り下げるかもしれません。

以上です！進捗報告でした！

　最近の自分の活動を極端に抽象化すると、「人にやる気を出させる」ということに終始するような気がしている。やる気を出させる対象は8割くらいが自分で、残りは他人である。

　自分はというと今年で35歳になる。ありがたいことに仕事は途切れることはなく、今年も引き続きミュージシャンの顔をして暮らしている。しかしながらストイックさや初期衝動みたいなものは、当たり前ではあるが薄まる一方で、いかに自らのやる気を出させるかというのが重要になってくる。自分の目標はアルバムを10枚リリースすることであるから、こんなところでグダグダしているわけにはいかない。

　京都精華大学で働き始めてからの一つの衝撃は、音楽専攻に来るやつが別に音楽を作ろうとしないことである。課題のみをこなし、そのままなんとなく卒業する。それは寂しいが、決して悪いことではない。しかしどうにかして、もっとやる気を出してもらう方法はないかと考えたりしてしまう。

　近い領域の別の話になるが、福祉的な文化助成みたいなもののあり方として、自分がするべきであると思っている営みはざっくり2つにまとめられる。一つ目は、いい歳こいた大人が、利益を度外視して、無邪気に、なにかに夢中になったり(合法的に)ガンギマリになったりしている姿を積極的に見せることである。2つ目は、ごくシンプルに、インフラを整えることである。

　1つ目に関して、サラリーマン家庭で育った自分は、親(特に父)がハメを外したり、家の外で社会的に敬遠されるような行為、そこまで言わなくても比較的トンチキな行為をしているところをあまり見たことがない。変な髪型や服で着飾ってみたり、一般的に理解し難い趣味に傾倒したり、人前で奇行に走ったりとか、そういったことはあまりない。無意識に、大人になったらそんなことはすべきではない、みたいな規範意識が形成されている。そんな環境で育った人は多いであろう。

　一方自分はというと、自作の曲を大衆の前で再生し、シンセのつまみを捻りながらアヘアヘしている。なぜそうしているかというと、そもそも自分がそういう人間であり、かつ、そういう大人がいることで安心する人間がいると信じているからである。いい歳こいてなにやってんだと思う人も多いだろうが、そんなことは思う必要はない。いい歳こいてなにやってんだマインドを世の中から取り除くことが、世の中を良くする。「大の大人がそんな感じで暮らしていてオッケーなんや」と人に思わせること自体が、世を文化的なものにするために必要であると確信しているから(無意識的に、あるいは意識的に)そうしている。人に迷惑をかけない範囲ではもちろんのこと、なんなら多少迷惑をかけあって、自他で迷惑をかけ合ってでもそうすべきだと思っている。

　後者はもっとシンプルで、文化活動をするためのインフラを公私の援助で充実させるべきという考えである。吹奏楽部に青春を燃やしたのに、高校を卒業したっきり楽器を演奏しなくなるのは、音楽に興味がなくなったというよりは、金管楽器を吹ける場所がないからだ。家から徒歩5分の距離に、なんらかの形でトランペットを吹きまくれる施設があればもっと皆トランペットを吹くようになるだろう。家の横に自由に使えるバスケットコートがあったらバスケ部に入る確率も幾分上がるというものである。

　後者に関して印象的なムーブメントとして、立命館大茨木キャンパスで行われている”FLOW”というイベントがある。若者が主催するオーディオビジュアルの催しであるが、そのきっかけがおもしろい。

　立命館大茨木キャンパスのTERRACE GATEという建物に、350インチのそれはそれはバカでかいLEDディスプレイがある。なんなら下手な映画館よりでかいんじゃないかというそれは、学内のみならず、学外の人間も予約すれば自由に使うことができるらしい。

　細かい経緯を省略すると、木村さんと米田さんという学生2名が「このディスプレイ使ってなんかしらの映像出したいな」と思い立ちイベントを立ち上げ、同じようになんとなくバカでかディスプレイでなんかしたいと思った人間が集まってきて、今に至る。初めて彼らから連絡が来た時も何か感じるものがあり、自分が彼らにイベントに出演する代わりに米田さんに蓮沼執太氏との2マンのVJをやってもらったりした。すると「VJもやってくださいよ」と頼まれ、また彼らのイベントでなぜかVJをし、そしてまたマルチネの周年に彼らをVJで送り込んだりなど、終わりなきギブアンドテイクの輪廻が続いている。(今回Flow vol.10に出たのでまた貸し+1ということでまたおれは彼らに何かを頼むことができる！)

　勢いで始めた彼らのPA知識が乏しかった頃、2基のスピーカーの出力キャパいっぱいで音を出しながらDJ/VJをしていたところ、その様子をみかねた大学の優秀な機材担当の方が音響面でテコ入れをし、インフラが整ったらしく、専用の施設でない割にいい音で音楽を再生することができる。運営メンバーも増え、重ねたイベントはついに10回目を迎えた。

　もともとの動機が「でかい画面でなんかやりたい」程度の無邪気であったため、既存のルールや作法にあまり囚われていない。まずもともとのきっかけがそうであるから、映像と音楽に特に主従関係がなく、等価に扱っている。みな必要に応じて、音楽も映像も気軽に作る。適当にデカい音が鳴らしたいやつとでかい画面に映像を出したいやつがペアになったり、一人で全部やったりする。クラブマナーにも則っていないので、アクト間は音が止まり転換をする。音楽の内容も映像の内容も指定はないからみんなバラバラである。出演も公募であり、門戸は常に開かれている。映像か音楽のどちらかしかやっていない場合はその旨を告げると、運営がペアになる担当を見繕ってくれる仕組みもある。コアの運営メンバーの人数は多くはなく、それ以外の所属/無所属のグラデーションはあいまいである。そしてなんと全てが無料である。

　最初は荒かった参加メンバーの技術面も、いまやずいぶんな仕上がりを見せていて、客観的にみてもおもしろい表現が多々みられる。それと同時に、元々のコンセプトは維持されているので、初めてやりますみたいな人が当たり前にイベントに出演できる。

　最初の「人にやる気を出させる」にはどうすればいいかに対して、「350インチのLEDディスプレイを自由に使わせればいい」という回答は実に痛快であり、文化サポートの理想的な例であるように見える。どこまで意図していたかはわからないが、立命館大学のインフラ投資の慧眼と言って良いだろう。一般的な液晶モニタ、あるいは大画面のプロジェクタくらいしか普通に生きていると見かけない。高解像度のLEDというのは眺めるだけでもそれなりに感動がある。

　単純におもしろいので、彼らに呼ばれたら予定が合う限りイベントに出演するようにしている。(もちろん気は使うが)大学生に混じって、30代半ばの人間が無邪気に遊んでいる姿を積極的に見せることも大切であるからである。福祉としての文化助成に自分が必要だと思っていることが、結果として全て含まれている。

　再現性を持って毎回うまくいくとは思わないが、このイベントの成長には、なにか自分の考える”よいコミュニティ”に必要なヒントが大いに含まれていると感じている。世が若者に、そして自分に対して与えられるやる気創出装置とはなんなのか。そしてその創出されたやる気を維持するための仕組みとは。おれもまだまだ頑張んないとなーと思います。

#ITBS-nice-things

　去年の年末に”Past Self”というシングルを出した。若気の至りがテーマで、「過去のいろんなことを無かったことにすんなよ」というメッセージを込めるべく、”Don’t delete your “Past Self”—Just hit save and keep running!”という文章をカットアップして再構築するというアイディアの曲であった。この曲に関連して、京都市京セラ美術館での特別展”日本画アヴァンギャルド KYOTO 1948-1970”が非常に良かったのでメモしておく。

　1940年代以降に結成された3つの美術団体である創造美術、パンリアル美術協会、ケラ美術協会が展示の軸になっているが、これはどれも「旧態依然とした既存の枠組みをブチ抜いてやろう」という、京都発の若気の大イキリと言ってよいだろう。

　1949年のパンリアル宣言の一節を引用する。

吾々は日本畫壇の退嬰的アナクロニズムに對してこゝに宣言する

眼玉を抉りとれ。四疊半の陰影にかすんだ視覺をすて、社會の現實を凝視する知性と、意慾に燃えた目を養おう。

感傷を踏みにじれ。因襲の殿堂を破壞して、廣い科學的文化的視野から傳統の力強い生命を發掘し、世界的地盤から古典を再檢討しよう。

温床をぶち壞せ。儼然たる重壓の牙城をなす封建的ギルド機構を打破して、自由な藝術の芽生えを育てよう。

　かなり迫力のある文章である。眼玉は抉りとらないで欲しい。初期のパンリアル協会のテンションはだいたいこんな感じである。その丸10年後発足のケラ美術協会の宣言は短いので全文引いておく。

宣言

二〇世紀後半は宇宙時代だ。地球上の争いのごときは、宇宙からみれば夫婦げんかに過ぎない。ましてや日本の、しかもこの中の画壇の動きに至っては、まるで大海に浮ぶ水泡のようなものだ。われわれはこのような画壇の因襲を強烈な情熱で打破せんとする。芸術家の責務とは、人間が分解され、細分化される現代にあって、あらゆるものに力限りの抵抗をすることだ。そしてその反抗を通じて、真にユニークな絵画を創造することだ。われわれは宣言する。

①あらゆるスタイルにとらわれず、真に創造的な絵画をつくること。

②宇宙時代にふさわしい真のテーマを見出すこと。

③二〇才代の熱と意気とを武器に既成の概念に戦いをいどむこと。

「ケラ美術協会」会員はその名の示すごとく、細胞が分裂し、拡大するように、この運動があらゆる人たちに賛同されることを望み、ここに宣言書を発する。

1959年12月23日

　もう国家間の諍いなんぞ、銀河系から見たらカス。情熱を持ってヤバい絵を描きます。ブチ抜きの果てに宇宙を見ているわけである。とにかく鼻息の荒い若者にとっては、花鳥風月を主なモチーフとした既存の日本画のカテゴリは狭すぎたわけである。

　とにかくぼんやりと、漫然と取り組んでいるやつはおらず、作品群にもその鼻息の荒さが出ている。それだけでも見ていて痛快な気分になる。

　加えて、とにかく周辺作家のヤング時代の作品がたくさんある。並行して同じように海の向こうでぶち上がっていたシュルレアリスムのモロ受けすぎる作品も多々あり、そういう意味で若い。SoundCloudでWave Racerを聴いては影響を受けてパクり、Rustieを聴いてはパクリ、ハドモを聴いてはパクり、独創性の乏しい三番煎じのトラックを作りまくっていた20歳前後の自分が思い出される。

　この展示の素晴らしいところは、そのヤングガンたちの成れの果て、晩年の作品も併せて展示されていることである。ブチ抜きを志向した若者が、実際にそれを成し遂げたかどうかはさておき、その熱量を持って数十年取り組んだ果てというのは実に美しい。それぞれが全く違う地平に到達しており、若かりし日に掲げた日本画の概念の拡張は実現されたように見える。アツい気持ちで取り組めば、全員が例外なくめいめいの最終形態に到達する。おれの最終形態はなんなんだという気持ちになる。

ここ数日、アメリカがイランを攻撃した。「地球上の争いのごときは、宇宙からみれば夫婦げんかに過ぎない」——1959年にそう書いた若者たちの言葉が、妙に生々しく響く。大戦直後の京都で、こういった芸術のパトスの萌芽があったことは心に留めておきたい。冷笑やポジショントークをしている場合ではないのである。(展示変えがあるらしいのでもっかい行こうかなーと思ってます。皆さんもぜひ。)

長かったC4P作文もこれにて終わりです。編集作業を経て、本にして、C4Pマインドよろしく自費出版でございます。文学フリマ東京42 (5/4)、文学フリマ大阪14 (9/13)は申し込み済み、通販もあります。1500円。同じような内容がネットで読めるのに金取るのもどうかと思いますが、そういうやり方に賛同できる人はぜひ買ってください。

おわりに

　自分は音楽が好きである。が、それ以上に、音楽制作が好きである。音楽を作っているときに感じる気分が、他の何にも代え難いのだ。この感覚は、驚くほど身も蓋もないもので、それ以上でも以下でもない。

　この、替えのきかないこのおもしろさの正体を掴みたいと考え、その尻尾を追いかけているうちに、C4Pという概念を提唱するに至ったわけだ。

　このテキストは、コンセプトを練っていた頃も含めると、制作にちょうど1年間ほどかかったことになる。1年間、自分の頭で精一杯考えて、考えが可能な限り正確に伝わるように言葉を選び続けた。自分のコアになりそうなエピソードと、重要になりそうな考えのベースをまとめたので、将来なにかに思い悩んだ時に、自分自身にとっての指針になりそうなものになったと感じている。

　ところがである。気づいたころには、書く内容自体よりも、書くことそのものがおもしろくなってしまっていたのだ。もちろん、よい内容にはしたい。この態度表明が人にポジティブな影響を与えられるならば嬉しい。しかし正直に言えば、そんなことよりも、なんでもいいから書きたいという気持ちの方がずっと強くなっていた。そして、10万文字程度書いた結果、作文能力がやや向上してしまい、より気軽に、書くこと自体に取り組めるようになってしまった。

　今となっては、文章を書いているときに感じる気分が、他の何にも代え難いのだ。この感覚は、驚くほど身も蓋もないもので、それ以上でも以下でもない。スタート地点に戻ってしまった。

　全体を通して、「言語化できない”よさ”」の話は何度も出てくるが、このテキスト自体を読むことで感じられる謎の感覚こそが、言葉では表すことのできない私自身のパーソナリティである。読んで、なにか掴めそうで掴めないものを感じたならば、それが私のそれである。

　結局のところ、自分はこういう人間だったのだ。分かった気になりたいから、また何かを作る。作るたびに何かがわかった気になる。本当のところはたいしてわかっていない。でも振り返ると、結構わかってきている。

　そして、あなたに対してもそう思いたいのだ。あなたの作ったものをみて、まるであなたのことがわかったような気分になる。その気のせいみたいな気分を、自分は愛している。

C4P作文の原稿が書き終わったので、メルマガでの配信も次で終わりです。

自主制作のススメ

　プロとして音楽を作るようになってから、だんだんと気がついたことがある。みんな意外と自主制作をしないのだ。アーティストとして生きている人はともかく、作家業をメインにしているような人は、よりしない傾向にある。

　広告業界なんかは顕著で、映像作品を作る上で、監督も、プロデューサーも、ディレクターも、あまり自主制作をしない。元々はしていたし、今もやれるもんならやりたいが時間が取れずにやれていない、という人と、そもそも興味がない人がちょうど半分ずつくらいのイメージである。

　全てを一緒くたにはできないが、自主制作にあまり興味がない人の傾向は似ている。まずクオリティが高い人が多い。まあそうでもないと仕事でやっていられない。既存のフォーマットで、決められた高い作法で、高い点数を出す。その裏返しでもあるが、リファレンス偏重な傾向にあるように見える。そして要領がよい。手際よくやらないと、クオリティが上がらないからだ。

　関西を中心に開催している音楽ワークショップ「Potluck Lab.」で頻発される出所不明の謎の標語「よくできた量産品より唯一無二のクソ」の精神を自分は極めて重視している。唯一無二の逸品を作りたいのはやまやまだが、唯一無二の逸品ガチャを回すには、クソを量産する過程が必要である。なぜかというと、唯一無二であるためには、成果が計算できない領域に突っ込んでいかなければいけないからだ。

　「対外的に成果は計算できないが、好きだからやりたいこと」は世の中に溢れている。ニッチな基礎研究、マイナーな趣味、個人の謎の習慣。こういったものは、世の中に余裕がなくなると、いの一番にカットされるような領域である。余裕がなくなると、人はすぐクオリティを上げようとする。四の五の言っていられないからだ。クオリティの計算ができない領域を保全するには、強固なC4Pマインドを持つ必要がある。

　自主制作の本当の意味は、作ったものの出来不出来ではなく、計算できない領域に自分を置き続けることにある。成果が読める場所にだけいると、読めるものしか作れなくなる。

　逆説的だが、プロとして腕を磨けば磨くほど、要領がよくなるほど、よりクオリティを求められ、計算できないものからは遠ざかる。能力が上がるほど、最終成果物の見通しを正確に立てられるようになる。事前に見積もりが可能な上質さは、唯一無二のクソから離れたものである。「成果は事前に計算したいが、唯一無二のものが欲しい」というのは矛盾で、相当なわがままであるが、そのありえない欲求をぶつけられるのがクリエイターの憂いである。それを望むのはよいが、無理難題であることを骨身に染み込ませる必要がある。

　だから意識的に、定期的に、成果が読めない場所に身を投じることが必要である。そのために自主制作を勧めたい。自主制作とは、迷子になりにいく行為である。迷子の足取りは無駄が多い。しかし、そんなことばっかりやっているやつの手なりは、自分には美しくみえるのだ。無駄だらけの迷子野郎になる勇気はありますか。

今日大学で学生に「ショート動画見ちゃってる時、搾取された気持ちになるんですよ！だから搾取する側に回りたいんです！」って言われて、あまりに現代的な考え方ですごいなーと思った。そしたらこの原稿の存在を思い出した。本に入れるかどうかは五分五分で悩んでます。

スワイプ&スワイプ

TikTokやInstagramのリールで音楽が流れてくる。15秒、長くても30秒。キャッチーな部分だけが切り取られ、映像と合わせて消費される。スワイプすれば次が来る。また次も。気づけば30曲くらいを、ちょっとずつ連続で聴いている。おれたちは口を開けて待っているだけで、アルゴリズムが矢継ぎ早に、細切れのコンテンツを放り込んでくれるようになった。

これを「音楽を聴いた」と言えるだろうか。言えるとも言えないとも断言はしないが、少なくとも、過去に類を見ないかなり特殊な状態を迎えていることは間違いない。

本書で繰り返し述べてきたことを鑑賞に適用してみる。創作とは選択の連鎖である。何を使い、何を捨て、どう組み合わせるか。その選択パターンの総体がパーソナリティである。であるならば、鑑賞もまた選択の連鎖であるはずだ。何を聴くか。何を聴かないか。どこまで聴くか。聴いた上で、何を感じるか。好きだと思うか、もう一度聴きたいと思うか。

TikTokで流れてきた15秒をきっかけに、その曲なのか、出ていた人間のファンになって、他の作品も掘って、自分の好みを更新する。この過程が発生するならば、入口がバズであることに何の問題もない。むしろ、かつてはラジオやテレビがその入口だったわけで、メディアが変わっただけともいえる。問題は、15秒で完結してしまうことの方にある。入口はそのまま出口に繋がっていて、その出口はまた快楽の15秒ランドの入場口に繋がっている。

アルゴリズムにフィードを委ねた状態では、この選択の連鎖がほとんど発生しない。何を聴くかはアルゴリズムが決め、どこまで聴くかはフォーマットが決め、気に入ったかどうかは「スワイプしなかった」という消極的な反応だけで処理される。阪神ファンになって阪神を応援します！と自覚するチャンスも与えられない極端な形である。テクノロジーに決める手間も省いていただいているとも言えるし、自分で明示的に贔屓すら決められない悲しい状態とも言える。

意思決定の認知負荷を下げていくと、最終的にはマッチングアプリのようにLIKE/NOPEの二択を高速でこなしていくことになる。そして、判断の速度を限界まで早くしていくと、その基準は徐々にポルノ的なものになっていく。ポルノ的、というのは性的なコンテンツに限った話ではない。一瞬で快不快が判定でき、判定に思考を必要としない刺激のことを指している。反射で処理できるものだけが生き残る。甘いものは甘い。辛いものは辛い。かわいいものはかわいい。

ポルノ的であることの問題は、細かな差異が認識できなくなることである。50℃近い熱湯をぶっかけられたら熱い。基本全員そうである。逆に、ある景色を見てどう感じるかは人それぞれである。C4P的なおもしろさというのは、そういった、本来であったら見落としてしまうような細かな差異に宿っている。スピード的な意味での加速と、感情の機微は相性がいいとは言い難い。

創作のよいところは、その人にとって大切で、しかしながら他の人にとってはどうでもいいものを取り扱う部分にある。突き詰めれば突き詰めるほど、他人にとってはどうでもいいような変数を操作することになる。鑑賞も同じで、深めれば深めるほど人からは意味がわからない違いを追うことになる。

他の人にとってはどうでもいいものを取り扱うためには、アルゴリズムから選択権を取り戻し、自分の選択を自覚しなければいけない。なぜこの曲を聴いたのか。なぜ好きだと感じたのか。なぜもう一度聴きたいのか。この問いを立てるだけで、鑑賞は受動的な消費から、能動的なパーソナリティの探索に変わる。直情ポルノだけでは鑑賞者としてのパーソナリティは薄いままである。

最終的に行き着く先が15秒であるのならよいが、アルゴリズムの流れに乗せられて無自覚にトラップされるのはよくない。スワイプするならするで、根性を見せ、心の底から、真のスワイプをすべきである。

本に載るかのらないか当落線上の原稿1

じゃあお前がやってみろよ

　ワールドカップで絶好のチャンスが来た、しかしシュートはあさっての方向に飛んでいって外してしまった。有名バンドの新譜の評判がふるわなかった。経営者が巨大な新規投資をして事業を始めたが、大赤字になってしまった。こんな時に、「いや、決めろや！」とか「売れて自分を見失ったな」とか「やる前から失敗するの予想できたやろ」などと言いたくなってしまう時がある。世の中には、ベッドでごろごろしながら、その手の指摘だけをするインディの自称諸葛孔明みたいな人間がたくさんいる。そして、そんなやつらに対して、実際にプレイしている人間たちは、心の中で「じゃあお前がやってみろよ」と思うわけである。

　成功者のポジショントークとして、「何もせず部屋で文句だけ言ってる雑魚と違って、おれは行動をして成功をつかんだ」みたいな話はそこらじゅうに溢れている。自称孔明は口だけのカスで、リスクを取ったやつだけが勝利できる。もちろんそれは正しいのだが、これも結局、成功をつかんだおれの方が、もじもじしてる引きこもりより偉いというのが自明であるという考えに基づいていて、C4Q的な行為と言える。

　尊大な創作者の欺瞞として、「作ってないやつが口出してくんなよ」という姿勢がある。世の中を創作する側とそうでない側に分け、後者を叩く。「じゃあお前がやってみろよ」が意味しているのは、「やっていないお前の評価には価値がない」ということである。裏を返せば、行為の有無を評価権の条件にしている。ただ創作者であるかどうかだけで、鑑賞専門の人間を下に見出すともうなにがなんやらである。

　問題の根はもう少し深いところにある。自称評論家も「じゃあお前がやってみろよ」側も、「正解」が存在するという前提を共有しているのだ。あの場面ではシュートを決めるのが正解、新譜はこのスタイルでいくのが正解、新規事業は黒字にするのが正解。正解に照らして行為を評価する。C4Q的な世界では、正解に近づいた者が評価され、遠かった者は批判される。行動や経験すらもない人間は論外。この枠組みの中では、「じゃあお前がやってみろよ」は有効な反論であり、自称孔明は反論の余地を持たない。

　じゃあ鑑賞しかしておらず、該当行為の経験が乏しい人間はどうすればよいのだろうか。

　本書で繰り返し述べてきた通り、鑑賞もまたパーソナリティの発現である。同じ楽曲を聴いて異なる感想を持つこと自体が、知覚と選好の個人差の帰結であり、パーソナリティはそこにも宿る。であるならば、自称評論家の批判行為の中にも、パーソナリティの発現は存在している。新譜に対して「売れて自分を見失った」と感じるのは、過去の作品との比較を通じた鑑賞行為の結果であり、その人間の耳と価値判断が反映されている。ここまでは問題ない。

　問題は、鑑賞のパーソナリティと制作のパーソナリティを混同するときに起こる。「あの新譜はゴミだった」は鑑賞のパーソナリティの正当な発露である。素人の感想であっても、耳の肥えた評論家の意見であっても、鑑賞者が自分の反応を語っている限り、それは正当である。一方、「ああすべきだった」「こうすれば売れた」は、感想ではなく制作判断への介入である。鑑賞で得たものを、制作の正解として差し出していることが問題なのだ。見ることと作ることは異なる行為であり、異なるパーソナリティが発現する。どちらが上ということではなく、領域が違う。

　映画を一本も撮ったことがない人間の映画評が無価値であるはずがない。料理を作らない人間の「おいしい」「まずい」に意味がないはずがない。映画を見て「自分ならこのシーンをこう撮る」と想像することは、鑑賞の中で最もクリエイティブな瞬間の一つである。「おれならこうする」と思うこと自体は、パーソナリティの発現として極めて豊かな行為である。ただ、それが「お前はこうすべきだった」に変換された瞬間、他人のパーソナリティへの介入になる。そいつがどうすべきかを決められるのはそいつのみである。

　逆に、「じゃあお前がやってみろよ」と言い放つ側にも同じことが言える。行為の有無で人間を切り分け、やっていない側の感想を一律に無効化するのは、鑑賞パーソナリティの全否定である。聴いてくれている人間の感想にもパーソナリティがある。プレイヤーだけが偉くて、観客は黙っていろ、という態度は、C4Qの成功者ポジショントークを、創作者/非創作者という軸にすげ替えただけのことである。

　鑑賞者として感じたことを語る。制作者として選択した理由を語る。それぞれが、それぞれの蓄積の上で、語る。寝転がりながらで構わない。ただ、自分の領域を偽らず、正直に語ることだ。

書籍の編集作業に入るので、あと数本でここでのデモ公開も終わります。寂しいね！

目的は手段です

　「手段が目的になっていませんか」という指摘は、大体が否定的な意味である。特に、成果物のクオリティを高めたいという明確な意思がある際は、手段が目的になってしまうことを意識的に避ける必要がある。

　例えば、楽器や音楽制作に関わる機材を、楽曲を生み出すためのツールとのみ認識すると、高価なギターをたくさん所有しているがろくに弾きやしない人や、アナログ機材にこだわった結果作業スピードが遅くなり、試行錯誤の回数が減って追い込みが甘くなるなんて行為は、手段が最終成果物のクオリティ向上に使えていない。もしくはそれを通り越し、うんちくを垂れるのが生き甲斐になりすぎて、ついにはろくに曲を作らなくなるなどといったこともありうる。C4Q的な立場でいくと、目的は「なるべくクオリティの高い曲を完成させる」ということになるので、こうした行為は極めて無駄で、愚かなムーブとみなされる。クオリティを高めることを目的にすると、高価なギターは良い演奏と良いサウンドのためにあるし、アナログ機材はデジタル処理に比べて音が良いから使われるべきである。完成していないものは、外部世界の評価の土俵に乗っていない、という意味で価値はゼロに等しい。人に見せない限りは市場クオリティのフィードバックもなく、他の作品との相対化もなされないので、自品のクオリティの向上に活かすのも難しい。クオリティを第一に考えると、完成の手前の手段それ自体を目的にして、それを愛でる行為はほとんどの場合で悪手となる。

　上記のような理由で、完成前のプロセスで気持ちよくなってしまって先に進めない人間は「手段が目的になっちゃってますね〜」と諌められるわけだが、これは暗に、目的の達成が手段よりも偉いという価値観があるということである。そして、それが自明であると思っている人は多い。自覚して、そのつもりでやっているならそれでよいが、実は絶対的に正しいものではない。C4Pを志向するのであれば、手段は目的にしていいのである。

　音楽制作をするとなると、最終的には成果物として楽曲が完成するわけである。ここで、前章で述べた通り、C4P的な態度下では、その完成は自身の宣言のみで実施される。いよいよ屁理屈みたいな話になってくるが、ギターを買い集め、ろくに弾きもせず、眺めているだけのおっさんが、これにて完成や！といえば、(それがなんなのかはさておいて)完成であり、そこにパーソナリティは発現している。

　音楽を作るプロセスを考えた時に、完成するかしないか、というのは最後の一押しの段階になってくる。「なるべくクオリティの高い曲を完成させる」というのが、自明な、絶対的な目標とは限らない。その上で、パーソナリティとは選択の連なりであると言う定義に立ち返ると、その途中でずっと遊んでおいてもよい。制作の過程で選択は連なっているわけだから、C4Pとしてはそれで十分なのである。C4Pは“無為”の肯定ではなく、“選択の自覚”を肯定する。それが録音されることもないまま、一生シンセサイザーのつまみをひねって喜んでいても、それがあなたの選択の結果であるのだから、何の問題もない。弾きもせず眺めているおっさんでも良いのだから、音楽を作らず聴いているだけでも構わないだろう。「作らないけど創作周辺にいる人」にもC4Pが適用できるということだ。

　完成させなくてよい、というのは完成を否定しているのではない。クオリティを高めたいのならば、一つでも多くの作品を完成させ、客観視し、フィードバックさせて己の腕を磨くべきである。そしてそれによる技術の上達はまた多くのパーソナリティの発見に繋がる。一方で、C4Pでは、完成とは自らの判断で宣言するものであり、クオリティの閾値が決めるものではない。であれば、プロセスのどの時点で宣言してもよいし、宣言しなくてもよい。宣言した瞬間に、そこまでの選択の連なりが一つの作品になる。宣言しなければ、選択の連なりは連なりのまま、あなたのパーソナリティとして蓄積され続ける。どちらにしてもパーソナリティは発現している。

　C4Pだけを極端に推し進めれば、永遠に曲を完成させずにホクホクしている謎の人間だらけになってしまい、世の中からレベルの高い作品が消滅してしまうかもしれない。逆にC4Qだけの世界だと、鑑賞専ギターコレクションおじさんの価値は著しく低下してしまう。要するに、全てはバランスであり、C4P/C4Qの蛇口をちょうどよい湯加減になるまで調整しろということだ。みんなC4Qの蛇口ばかり見ているので、もう一つあることを思い出して欲しいという話である。

まねっこ

　「誰かの真似をする」というのはそれ自体極めて重要な行為である。親の喋りを真似て言語を習得し、好きなスポーツ選手のプレーを真似、憧れているアーティストと同じギターを使う。

　創作行為においても模倣の過程は極めて重要である。模倣によってなされることは大きく分けて二つあり、片方は優れているものを参照することによるクオリティの向上であり、もう一つは自分の認知や好悪の理解である。

　模倣それ自体に善悪もなにもなく、上記の2つが実行されているだけである。そしてそのどちらも大変に効果があるので、基本的にやればやるほどよい。問題が生じるとするならば、著作権の侵害くらいのものであるが、それは市場における利益保護の話であり、模倣という行為の本質とは別の次元にある。

　一方で、絶対にやってはいけないこともある。もっとも悪き行為はなにかというと、他人、ないしは先人が成し遂げた手柄を、さも自分の成し遂げたことのように振る舞うことである。これは歴史を軽視し、他人のプライドを踏みにじる行為である。自分が考えたり、やってもいないことを、自分がやりましたというそぶりを見せるのは、単純に嘘つきであるのでお話になっていない。

　ここで、自分の作品のどこまでが既存の要素に立脚していて、どこからがオリジナルかを判断するのは相当難しいということを理解する必要がある。他の作品からの影響は、自覚下で、あるいは無自覚に現れる。かなりの数の音楽を聴き、自作を高度に相対化してようやく、自分特有の差分が把握できる。自分の曲が凡庸なのか非凡なのかを理解するためには、かなりの能力が必要である。なので、他人の作品をパクりと糾弾したり、自分のオリジナリティを誇ったりする前に、自分の認知が十分な相対化の過程を経たものかを検討する必要がある。どれだけ謙虚で居ても、いすぎることはない。

　模倣や参照のプロセスは、自己へのポジティブな影響だけでなく、マクロでいうと投票行動のような側面もある。スターに憧れて、似たファッションを身につける。同時代にそうする人間が十分に多ければ、それはトレンドとなり、また次のトレンドに影響を及ぼす。認知をし、好悪の判断を下し、創作物にフィードバックする、というループは、マクロで見ると、ふるいのような選択と淘汰の機能を持っている。好きな音楽を聴く、あるいはそのスタイルに影響を受けて曲を作るという営みは、自分というフィルターを通して何かを漉して、下に流すような性質があるのだ。

　要するに、認知の構造も、好悪の構造も、バトンリレーのように、上から受け取り、下に回していけるのである。自分が良いと思えるようなパーソナリティの様式を絶やさずに維持できるかどうかは、いま創作している、現代の全プレイヤーの選択によって決定される。生物の進化と遺伝子のアナロジーとしてみてもよいかもしれない。様々な種がランダムに生まれ、淘汰の下に存続する種が決まる。構造は同じだが、遺伝子と比べて、パーソナリティはもう少し受け渡しを自覚的に実施できる。マクロで見ると多数決のような要素もあり、それによって創作物の時代感みたいなものが形成されていく。

　創作行為というのは、それを望まずとも、先行走者から選択的に何かを受け取り、そして選択的に後続に受け渡すというプロセスを経る。よきアーティストというのは、そのプロセスがパワフルに回っている。

　我々はパーソナリティを抱えた走者である。参加とか不参加とかを問われるタイミングなどなく、もうすでにランナーであり、自覚しているかどうかというだけの話である。後世へのバトンの受け渡しは、あなたがなにを鑑賞し、なにを作るかによってのみ決まる。

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名無しさん

　自分の大学生活を要約すると、Twitterと電子音楽にのめり込んだ、の一言ですんでしまうといっても過言ではない。この2つには共通点がある。本名などの、いわゆる個人情報を明かすことが必須ではないのだ。

　個人情報ダダ漏れでインターネットをやり続けているやつがなにをいっているんだという感じであるが、実はこの要素は、自分の価値観を大きく変えたといってよい。

　プラットフォーム間で差はあれど、SNSはアカウント名と、視覚的にその人とわかる程度のアイコンの2つがあればよい。アカウント名はランダムな英数字の列であったり、記号であったりするし、偽名だったりもする。アイコンも、顔写真だったり、抽象的なグラフィックだったり、既存のアニメのキャラだったりする。むしろ、本名でやってねというルールが明記されていたFacebook以外は、それくらいの情報さえあれば十分であった。非常に限られた開示をスタート地点に、テキストベースの非同期コミュニケーションをすることになる。

　インターネットや音楽経由で知り合った人の大半は、本名とか、普段どんな仕事をしているとか、どこに住んでいるとか、そういった情報をあまり知らない。仲良くしているうちに結果的に知ることもあるが、別に知らなくてもさして問題はない。

　ジェンダーロールみたいなものは特にそうだが、本人が積極的に開示してない情報は、いい意味で、どうでもいいものとして取り扱えればベストである。外国人は出てけ、みたいなのも、見た目も含む人種や国籍みたいなものを大げさに扱いすぎているだけとも取れる。その辺の背景は認知の構造に十分すぎるほど作用しているので、あとはその個人の好悪のレイヤーと、それらから醸されるパーソナリティを摂取していればよい。

　したくない話はしないまま、創作物を介してコミュニケーションするのは、オブラートに包んでいるとも言えるし、より本質的とも言える。創作物にはその人のパーソナリティが発現している。一方で、具体的な情報が圧倒的に不足しているので、作品のみからその人の人となりを全て見通すことはできない。その両面が自分は好きである。

　もうずいぶんやっているのに、作品と、その作り手のペアの組み合わせに対して、信じられなかったり、意外だったりしたことが驚くほどない。限りなく全て、この人あってのこの作品だなと、常に納得できている。その嘘か本当かわからない、その納得感のみで、自分は十分であると感じる。

　自分のワークショップに何回も来てくれて、散々曲を聴いている人の本名も、普段何をしているのかも正直さっぱりしらない。その一方で、その人の創作から立ち上がるパーソナリティを通して、その人のことがわかったようなつもりになっている。その幻想みたいな気分を、とても美しく感じるのである。

#C4P_demo

ベースの音ってどれですか

　音楽に興味ない人がたまにする話として、「バンド演奏においてベースの音がどれなのかよくわからない」みたいな話がある。再生環境の問題もあるし、ボーカルなどに比べると聞き取りづらいのは確かである。正直、興味がない分野に対して人間は結構残酷である。漫画『こちら葛飾区亀有公園前発出所』のとある回で、御免ライダーの超合金(おもちゃ)のバージョン間の違いを嬉々として語る両津に対し、中川が「全部同じじゃないですか」と困惑する回であるが、まあそんな感じで、こういう話はほぼ認知の解像度の問題と言ってよい。

　ベースがなにをやってるかがよくわからない理由として、まずベース単体の音をちゃんと聴いたことが無いからというものがある。ピザだけを食ってトマトの元の姿を想像するのが困難なように、楽曲から特定の要素を選択的に認識するのはなかなかに高度なことである。

　一方で、解決手段はなかなかに簡単である。ベースの音がよくわからない人間を音楽スタジオに連れていって、キーEでセッションしながらそいつに4弦の開放を適当にベンベン鳴らして貰えば良い。それくらいのレベルの体験が伴えば、ベースは聴こえないから意味ないみたいなことを言い出すことはなくなるだろう。そして、ひとたび分かってしまえば、そこから先の音楽の視聴体験は、全てそのベースを理解した状態によって行われる。

　基本的にはこういった変化は非可逆で、一度聴こえるようになると、もう聴こえなかった頃には戻れない。スタジオから帰って、いつも聴いている曲を再生すると、ベースが聴こえる。曲は何も変わっていないのに、体験による認知の変化によって、同じ音の塊から拾い上げられるものが増えていく。これは、その人にとって音楽を聴くという行為が、ベースという概念の導入によってより複雑になったということだ。この手続きは、知覚する全てのものに起こっているので、基本的には生きていると、少しだけ世界が複雑になっていく。教養とかセンスと言われるものは大体はこの認知の複雑さを指していると言ってもよい。

　そして、ベースの音が聴こえるようになったとして、「このベースラインめちゃくちゃ好きだな」と感じるかどうかは、また全然別の問題である。こち亀において、作中における特撮の名作「御面ライダー」の違いがわからなかった中川が、そのテレビシリーズを全て視聴し、玩具の超合金シリーズの違いが理解できるようになったとして、じゃあそれを欲しくなるかというとそうではない。重要なのは、認知フェーズと好き嫌い価値判断のフェーズが独立しているということである。

　ベースが聴こえるようになった二人の人間がいたとして、片方はルート弾きの安定感に心地よさを感じ、もう片方はメロディアスに動き回るフレーズに興奮するかもしれない。どうやってもなんの興味も持てないかもしれない。聴こえているものは同じなのに、好き嫌いの反応が違う。認知フェーズでは同じところまで来ているのに、価値判断フェーズで分岐する。

　似たような話で「このアーティストの曲は全部一緒に聴こえる」という発言は、二通りに解釈できる。ひとつは、その曲がなにをやっているかがそもそも聴こえていない場合。拾い上げるための認知の枠組みがその人に存在してないケースである。もうひとつは、なにをやっているかはちゃんと聴こえている、しかしそれでもなお好悪が反応しない場合である。前者は経験や学習で変わりうるが、後者はもっと根が深い。自分でも理由がよくわからないまま、好きだったり嫌いだったりする。

　この好悪の部分が個性そのものであるのはイメージしやすいが、実は認知の部分も同じくらい重要である。この認知の解像度は能力とか努力の不足と捉えられがちであるが、実は個々人の性質に大きく立脚している。身体的なものはわかりやすく、ろう者にとって聴覚情報の認知フェーズは、そうでない人とは構造が異なる。世の中にはパクチーを石鹸の味だと感じる人がいるらしいが、あれは好き嫌い以前の話で、遺伝的に認知の構造が違うとのことである。同じ葉っぱを口に入れたときに拾い上げている情報がそもそも異なるが、そうでない人からすると想像もできない話である。認知の際は、好悪のフェーズと同じくらい、個性が反映される。

　そして、認知と好悪は完全に独立はしていない。ウニが嫌いという人が「高級なうにを食ったら変わるから」みたいなことを言われて高級なうにを食ったが、やっぱり苦手で理解することができなかった、みたいなケースは、認知の低さと好悪のネガティブさが相互に影響しあっている。パクチーの例も認知の構造が好悪に影響している。要するに、認知のフェーズと好悪のフェーズの2つが存在し、この2つがパーソナリティを形作るのだ。

　自分は、メジャーキーの曲ばかり作っている。意図してそうしているわけではなく、作っているとそうなるのだ。メジャーキーという概念は、認知という意味ではもうとうの昔に獲得したものである。しかし、自分がそれを好んで選び続けていて、それが一般的なレベルを大きく逸脱している事実に気づいたのは、相当な数の曲を作ったあとのことである。逸脱は最初からであった一方で、相対的にそれを理解したのはだいぶ後であった。価値判断フェーズの自覚が遅れていたということだ。

　創作をやっていると、この二つのフェーズが両方とも動く。広告音楽を作りはじめて10年以上経つが、流石にそこでは一般的な割合でマイナーキーの曲も作ることになる。そもそも嫌いだと思ったこともないし、作る機会を与えられることでより高度な曲が作れるようになる。外的な圧力での認知フェーズの拡張である。そして、その過程で魅力に気付いたりもする。これは価値判断フェーズの更新である。

　認知の精度が上がり世界が複雑になることと、好き嫌いの地図が書き換わり自分が更新されること、このどちらも非可逆で、そしてどちらも自分では完全にはコントロールできない。

　二つのフェーズが動き続けるということは、自分にとっての”よさ”が固定されないということである。昨日の最高が、明日にはそうでもなくなっているかもしれない。創作というのは、動くゴールポストに向かってドリブルしていくような行為である。だから最適化できないし、正解に向かって一直線に進むこともできない。不便ではあるが、これが創作のおもしろさの正体であると思っている。

　前章で、技術が上がると選択肢が増え、パーソナリティが反映される余地が広がると書いた。あれは認知フェーズの話である。聴こえるものが増えれば使えるものが増え、なにを使い、なにを使わないかの選択に個人差が出る。一方で、価値判断のフェーズは、技術の向上とは独立に、創作や鑑賞を重ねることで勝手に動いていく。意図的に鍛えるというより、気づいたら変わっているものだ。

　この二つのフェーズが、両方とも個人に属していて、両方とも変わり続ける。変わるのであれば、それを楽しむほかない。ボジョレー･ヌーボーのキャッチのような態度が好ましい。今年の自分のパーソナリティは、過去10年で最高と言われた昨年を上回る出来栄えです。

アウトオブスコープ

　サラリーマン時代に、なんとなく目安として考えていたのが、”20時までに家に帰る”ということであった。残業して、帰りに牛丼屋寄って飯食って、みたいなことをしているとあっさりとすぎてしまうのが20時である。なんでこんなに20時を気にしていたかというと、体感上、帰宅が20時以降になっている時期は全然曲を作れていなかったからである。

　体力や気力は人それぞれであるが、あくまで自分の場合、継続的に音楽制作に取り組める目安がそれくらいであった。逆にいうと、いま新卒に戻って就職先を選ぶとしたら、20時までに帰れる会社に入れば、再現性を持って音楽制作を続けられるということである。残業時間でいうと大体月30時間、だいたいそれくらいの忙しさが、自分がコンスタントにリリースを続けられる限界であった。20代の時の話であるので、30代半ばとなったいまはもっと頑張ることができないであろう。

　C4P作文で書かれた内容が機能するには、最低限の条件がある。制作環境にアクセスできること。それを扱える身体の状態にあること。制作に充てられる時間が存在すること。そして、それら全てを維持するための経済的基盤があることだ。自分はこれまで、C4Qイデオロギーの荷重を降ろせ、質保証の呪縛から自由になれ、パーソナリティと出会うために創作をしよう、と繰り返してきた。それらはすべて、上に列挙した条件を満たしている人間に向けた言葉である。

　例えば、慢性的な疾患を抱えている人間にとって、制作行為そのものが身体的に不可能になる期間がある。PCを開く体力がないとか、そういう次元の話である。経済的困窮もそうだ。制作環境の維持にはコストがかかる。機材、ソフトウェア、電気代、通信費、そして作業するための住居。ダブルワークで可処分時間がほぼゼロの人間もいれば、介護や育児で自分の時間が消滅している人間もいる。これらは、悲しいことに複合する。身体を壊して働けなくなり、経済的に困窮し、制作環境を手放す。あるいは逆の順序で、同じ場所に辿り着く。

　そもそも、制作に取り組める人間である時点で、人生麻雀においては好配牌である。ここで、そうではない人間に対して、C4Pは基本的には何も解決策を提示しない。

　これはイデオロギーの問題ではなく、物理的な制約の問題だ。別章で、創作の苦しみは主にC4Q圧力の内面化であると書いた。質保証の荷重を降ろせば、あとは工数に対する物理的な稼働の大変さのみで、創作特有のものは実はあまりない。しかしここで扱っている問題はそれ以前の話である。C4Pの態度を完璧に内面化していても、PCを開く体力がなければDTMはできない。綺麗事や態度だけでは身体は動かないのだ。

　C4Pは態度の理論であり、社会福祉の理論ではない。制作環境へのアクセスそのものを保障する力は、この理論にはない。制約は外的なものであり、その中でどう生きるべきかを指示する力はなく、何を選択するかは本人のパーソナリティの問題である。

　救いとして、パーソナリティは、創作行為のみに宿るわけではない。電車の中で曲を作るのと、曲を聴くことでは当たり前だが後者の方が圧倒的に楽である。制約がキツい人にとっては、鑑賞行為が、C4Pの実践において比較的”マシ”な選択肢になる。

　鑑賞もまたパーソナリティの発現である。同じ曲を聴いて異なる感想を持つこと自体が、知覚と選好の個人差の帰結であり、パーソナリティはそこにも宿る。制作ができない期間であっても、音楽を聴き、何かを感じることを通じて、知覚や選好の変容は継続しうる。聴こえなかった音が聴こえるようになる、以前は好きだったものに違和感を覚えるようになる、といった変容は、制作をしていなくても起こる。制約が緩和されて制作を再開するとき、中断前とは異なる耳と感性で臨むことになる。長い中断を経て曲を作ったら、以前とは全然違うものが出てきた、という話は珍しくない。それは衰えとも成長とも違う。変容である。その変容の履歴もまた、パーソナリティの一部である。

　とはいっても、制作できない状態が辛いと感じている人間に対して、鑑賞でもパーソナリティは発現するから気にするな、と言うのは無神経だ。制作したいのにできないという苦しみは、C4QともC4Pとも関係のない、もっと手前の、人間としての苦しみである。このテキストの守備範囲ではないが、苦しみが世の中には存在しており、それを理論で回収しようとするなんてことはできない。

　唯一言えることは、どのみち、自分に対してのハードルを下げることである。友達からのどうでもいいLINEに対して、スタンプのみで返答するときに、パーソナリティへ思いを馳せながら行うことで、その選択は創作行為となる。本書で繰り返し述べてきた通り、創作とは選択の連鎖である。選択の規模が小さくなっただけで、構造は同じだ。帰り道にどこを見ながら歩くか、コンビニでどの水を買うか。全てそうである。実際に、絵を描いたり、小説を書いたりなどの一般的な意味での”創作”を実施するにしたって、とにかく、導入した努力に対してなんらかの見返りを期待する態度さえやめることができれば、これもまた”マシ”な選択肢になりうる。残念ながらヘボ選択に上質さは着いてきづらい。自分に甘く生きるのはクオリティとのトレードオフであるが、C4Qのみの世界よりは、C4P的な受け皿があったほうがよいだろう。

　本書は、制作環境を持っている人間に向けて書かれている。それは著者の限界であり、本書の射程の限界である。本としてはそうだが、それは射程の外にいる人間にパーソナリティがないことを意味しない。パーソナリティは全ての人間に、常にある。制作という行為は、それを取り出し、蓄積し、認識するための強力な手段である。

　制作ができない状態にある人に対しては、それを強要しない。逆に、制作ができる状態にあるならば、その条件を軽んじずに取り組むことができればよりよいだろう。

C4Pの数理モデルが出ました
https://www.dropbox.com/scl/fi/u1dv2oy72qzzzlcfrrgpl/C4Pver3.pdf?rlkey=mxg0y3w2pjltx297y0ezf8m55&dl=0

前回、数学が苦手な人を置き去りにしてしまった反省から、おまけとしてQ&Aを作りました。モデル内で使用される記号は出てきますが、まあ大体雰囲気で読んでいただければと思います。かなりモデルが整理されたので、かなりの質問に回答することができます。くるところまできた感じがある。

Q1. 何でこんなことを始めたの？

考え方を示すのが目的であって、モデルを運用して何かをしようとはしていない。 C4P作文をあてもなく書きまくった結果、 自分が何を主張しているのかを自分で整理する必要が出てきたからである。 「クオリティとパーソナリティは独立」 「客観的クオリティは幻想」 「創作を通じて自分を知る」 といった主張を繰り返しているうちに、 それぞれの主張が互いに整合しているのか、 矛盾していないかが気になりはじめた。 日本語は便利だが曖昧なので、 構造を一回ちゃんと書いて確認したかった。 例えば、ver2では実際に矛盾があり（‖𝒙ᵢ‖がクオリティではなかった件）これはおれ自身が作文時点でうやむやにしていた部分があったことを意味する。それが本稿ver3の作成過程によって解消され、理解を深めることができた。この整理は作文にも影響すると思われる。最初は単なる数理ポエムであったが、思った以上に実務的なよい効果があった。

Q2. 数式にする意味はあるのか。日本語で十分説明できるのでは

本モデルの価値は、日本語の議論だけでは曖昧になる区別に 判定基準を与えることにある。加えて、おんなじ質問ばっかされるのに日本語だけでは毎回説明が面倒なので、回答をするためには構造を正確に記述する必要があった。 Q4がその典型例で、「過去の自分を超える」が ℱᵢの拡大なのかδᵢの方向変化なのか、 日本語では一括りにされる体験をモデル上で分離できる。 Q3もそうで、「速弾きが好き」と「速弾きが上手い」を Ψᵢとℱᵢとして別の量に帰属させることで、 日常語の「パーソナリティ」が指しうる複数の意味を整理できる。 この分離が使えるかどうかは読者次第であるが、 少なくとも筆者は使えている。

Q3. 「技術だけを高め続けたい」はC4Q的態度だが、それもパーソナリティと呼べるのでは？

呼べる。ただし、本モデルにおけるパーソナリティの定義とは位相が異なる。

例えば、ギタリストが速弾きの精度を極めることだけに関心がある場合、 この人はℱᵢの拡大を追求している。 モデル上これはC4Qのレイヤー1（技術）であり、 δᵢの方向やその蓄積とは独立なパラメータである。

しかし、「速弾きを極めたい」という志向そのものは、 この人の選好構造Ψᵢに由来している。 遅いアルペジオではなく高速フルピッキングに魅力を感じる、 という𝒱ᵢ上の方向は確かにこの人に固有のものであり、 日常語では「個性」「パーソナリティ」と呼ばれうる。

本モデルの用語法では、Ψᵢの構造（何に魅力を感じるか）は パーソナリティの構成要素であるが、 ℱᵢの拡大行為そのものはパーソナリティの発現ではない。 「速弾きが好きだ」はパーソナリティ、 「速弾きが上手い」は技術。 好きであることと上手いことは別の量であり、 本モデルではこの区別を維持する。

さらに、速弾きを極める過程で 「自分は実は速さそのものではなく、 速いパッセージの中の微妙なダイナミクスの変化に惹かれていたんだな」 と気づくことがある。 これはΨᵢの変容であり、C4P的帰結である。 ℱᵢの拡大（C4Q的行為）がΨᵢの変容（C4P的帰結）を 副産物として引き起こした例であり、 行為は一つだが変化は2つの量に分解できる。

Q4. 「過去の自分を超えていく＝質を高める」はC4Q？C4P？

どちらでもありうる。何を超えているかによって決まる。

• 以前できなかった技法ができるようになった → ℱᵢの拡大 → C4Q

• 他人に「良くなった」と言われた → Y(𝒂)の増加 → C4Q

• 意図通りの音が出せるようになった → ‖ε‖の減少 → C4Q

• 前と違うものを作りたくなった → δᵢの方向変化 → C4P

• 以前は聴こえなかった要素が聴こえるようになった → Φᵢの変容 → C4P

• 自分がこれを好きだったと気づいた → Ψᵢの変容 → C4P

• 自分の癖や傾向が見えてきた → δᵢの蓄積 → C4P

「過去の自分を超えていく＝質を高める」という等式自体が、 2つの異なるプロセスを束ねている。 それを分解する道具を提供するのが本モデルの仕事である。

Q5. インプットが大事って言うけど、それはC4Q？C4P？

場合による。何のためのインプットかで決まる。

• 特定の技法を学ぶために教材を摂取 → ℱᵢの拡大 → C4Q

• 多くの作品を鑑賞し新たな概念を獲得 → Φᵢの変容（𝒮ᵢの次元追加） → C4P

• 鑑賞を通じて自分の好みに気づく → Ψᵢの変容 → C4P

同じインプットがC4QとC4Pの両方に効くことは珍しくない。

Q6. リファレンス曲に寄せるのはC4Q？C4P？

場合による。何のために寄せているかで決まる。

• 売れている曲に寄せてYを上げたい → Y(𝒂)の最大化 → C4Q

• あの手法を自分でも再現できるようになりたい → ℱᵢの拡大 → C4Q

• あの曲のここが好きで、自分でもやりたい → δᵢに従ったuの選択 → C4P

• 寄せる過程で新しい構造に気づいた → Φᵢの変容 → C4P

多くの場合、これらは同時に起きている。

Q7. 好きなアーティストに影響を受けているのはC4Q？C4P？

影響の受け方による。

• あの手法を使えるようになりたい → ℱᵢの拡大 → C4Q

• あのアーティストみたいに売れたい → Y(𝒂)の追求 → C4Q

• 聴こえなかった要素が聴こえるようになった → Φᵢの変容 → C4P

• 自分もこういう方向に行きたいと感じた → δᵢの方向形成 → C4P

多くの場合、これらは同時に起きている。

Q8. コンペに出すのはC4Q？C4P？

基本的にC4Qである。

• 入賞を目指している → Y(𝒂)の最大化ゲームへの参加 → C4Q

• 審査基準に合わせて𝒂を調整 → Y(𝒂)の代理指標の最大化 → C4Q

• 仕上げる過程で自分の方向が見えた → δᵢの蓄積 → C4P（副産物）

「コンペがなければ作らなかった」作品から自己発見が起きることは珍しくない。

Q9. 何も考えずに手を動かしてたら良いのができた。これはC4Q？C4P？

行為の時点では判定できない。結果で決まる。

• 他人に「いいね」と言われた → Y(𝒂)が高かった → C4Q的成果

• 「自分はこういうのが好きだったのか」と気づいた → δᵢの事後的な蓄積 → C4P的成果

δᵢが不明確なままuを選んでいる状態であり、 ステップ2（意図の認知）が曖昧なままプロセスが進行している。 行為が先で意図の認知が後、という順序はモデル上も許容される。

Q10. 締め切りがあるから妥協するのはC4Q？C4P？

どちらでもない。モデルの外の制約条件である。

• ‖ε‖を十分小さくしきれないまま打ち切り → プロセスの中断 → C4Q/C4Pの外

• 「これでいいか」と思える → δᵢとの距離が許容範囲 → ---

• 「これは自分の作品ではない」と感じる → δᵢとの距離が大きい → C4P的な不満

打ち切りの判断は時間や予算の制約であり、 C4Q/C4Pのどちらを追っているかとは独立である。

Q11. 作ったけど公開しないのはC4Q？C4P？

C4Pとしては問題ない。損失はC4Q側にのみ生じる。

• 自作を鑑賞し意図との距離を感じた → δᵢの蓄積 → C4Pは機能

• Y(𝒂)のフィードバックが得られない → 代理指標の学習が停止 → C4Qに損失

δᵢの蓄積は公開の有無に依存しない。

Q12. これ、自分に都合のいい理屈を作っているだけでは？

ほぼYES。自分の文章に都合よくなるようにモデルを作っている。 ただし、都合のいい理屈であっても構造が内部的に整合していれば、 少なくとも自分の態度の表明としては機能する。

加えて、構造を書くことで都合の良さに起因する矛盾が検出可能になった。事後的であるが、都合のいい理屈を精密に書くと、都合の悪い部分が浮き上がるという数理モデルの副次的な効能に気がついた。

Q13. 鑑賞専門の人にもパーソナリティはあるの？

ある。 鑑賞はΠᵢの順方向適用であり、 ΦᵢとΨᵢにパーソナリティが宿る。 同じ楽曲を聴いて異なる感想を持つこと自体が、 Φᵢ ≠ Φⱼかつ/またはΨᵢ ≠ Ψⱼの帰結であり、 パーソナリティの発現である。 創作しなくてもパーソナリティは発現する。

Q14. このモデル、音楽以外にも使えるの？

使える。小説、絵画、料理、プロダクトデザイン、なんでもよい。 𝒜上の状態の物理的内容が変わるだけで、 三層射影の構造と候補集合モデルはそのまま適用される。 本稿で例が音楽に偏っているのは筆者が音楽家だからであり、 モデルの制約ではない。

Q15. 属性空間が無限次元って言われてもピンとこない

CDに収録された44.1 kHz、16ビット、ステレオ、3分間の音源は 約1500万次元のベクトルである。 これだけで十分にバカでかい。 実際の創作物がこの空間のごく薄い部分多様体上に乗っている、 という直感が持てればそれで十分である。

Q16. 売れたいと思うのはダメなことなの？

ダメではない。 Y(𝒂)を追うことは正当なC4Qであり、 堂々と最大化すればよい。 C4PはY(𝒂)の追求とは別のゲームだと言っているだけであって、 Y(𝒂)を追うこと自体を否定していない。

Q17. C4QとC4Pを両立することはできるの？

できる。というか、どちらかだけやるのは難しいと思う。 𝒂を共有するため緊張関係は生じうるが、 多くの創作者は実際に両方を同時に追っている。 ただし、Y(𝒂)の追求がδᵢの方向を歪めていると感じるなら、 それはC4Q側の圧力がC4P側に干渉しているということであり、そういったものを問題視している。 どちらを優先するかは本人の態度の問題である。

Q18. パーソナリティなんて気にしなくても良い作品は作れるのでは？

作れる。 Y(𝒂)が高い作品を作ることとパーソナリティの発現は独立である。 C4Qだけで十分な人はそれでよい。 C4Pは全員に推奨しているが強制ではない。

Q19. AIが作った曲にパーソナリティはあるの？

本モデルではパーソナリティは Φᵢ、Ψᵢ、δᵢの方向、 𝒞ᵢからの選択パターンに宿る。 これらはすべて個人iに属する量である。 AIが𝒂 ∈ 𝒜を生成しても、 それを鑑賞する人間のパーソナリティはΠᵢ(𝒂)を通じて発現する。 一方、AI自体がΦᵢやΨᵢに相当するものを持つかどうかは、 本モデルの射程外である。

Q20. パーソナリティが鮮明じゃない人はどうすればいいの？

δᵢの蓄積が足りないだけである。 作り続ける、あるいは鑑賞し続ける。 蓄積すれば方向推定が安定する。 量の問題であり、才能の問題ではない。

Q21. 好きなものがコロコロ変わるのはパーソナリティがないということ？

違う。 Ψᵢの変容が活発なだけであり、 パーソナリティがないのではなく、 変容の軌跡そのものがパーソナリティである。 固定されていることがパーソナリティの条件ではない。

Q22. 他人の評価が気になってしまうのはC4Qに毒されているということ？

Y(𝒂)の代理指標（再生数、いいね数など）を気にしているだけであり、 毒されているかどうかは態度の問題である。 気にすること自体がダメなのではなく、 それがδᵢの方向を歪めているかどうかが論点である。 代理指標を参考にしつつδᵢの方向を保つことは可能であり、 その場合C4QとC4Pは両立している。

Q23. 複数人でのプロジェクトではC4Pはどう扱われる？

候補集合モデルは個人iを主語に書かれている。複数人のプロジェクトでは、メンバーごとにδᵢが異なる。Y(𝒂)は共有できる（同じ作品の売上は全員に帰属する）が、δᵢの方向は個人に属するため共有できない。

バンドやチームで「方向性の違い」が生じるのは、メンバー間でδᵢの方向が乖離している状態である。Y(𝒂)の最大化では合意できても、𝒞ᵢからどのuを選ぶかで衝突する。C4Q的には協調可能だがC4P的には本質的に個人の営みであり、複数人のδを一つに統合する操作は本モデルでは定義されない。

Q24. 創作できない状態（金がない、時間がない、病気など）の人はC4Pではどう扱われる？

候補集合モデルのステップ1-5のループが回らない状態に対応する。ループが停止していればδᵢの新たな蓄積は生じず、パーソナリティの発現プロセスは一時停止する。

ただし、鑑賞は可能である場合が多い。Πᵢの順方向適用（他者の作品を鑑賞する）は創作のループとは独立に機能し、ΦᵢやΨᵢの変容は鑑賞を通じて起きうる。創作できない期間に鑑賞を通じてΦᵢが変容し、復帰後に「以前とは違うものを作りたくなった」と感じることはこのメカニズムで説明される。

C4Pは「今すぐ作れ」とは言っていない。蓄積のペースは人それぞれであり、停止期間があってもパーソナリティが消失するわけではない。金がない・時間がない・病気であるといった制約は、Q10（締め切り）と同様にモデルの外の制約条件として扱われる。C4Pはこれらの制約を解消する手段を持たない。C4Pは創作に対する態度の理論であって、社会福祉の理論ではない。

Q25. 結局、何を作ればいいの？

このモデルはその問いに答えない。 δᵢの方向は本人にしかわからないし、 事前に知ることもできない。 作ってみて初めてわかる。それがC4Pとも言える。

C4P_demo

脱凡庸

　自主的な活動と、大学での講師業を通して、年二百曲程度の、いわゆるクオリティが高くない曲を聴いている。何度も言うが、どれだけへぼかろうが、曲を作りさえすればパーソナリティはその作品に宿る。宿るのであるが、それと同時に、クオリティの低い作品というのは、往々にして、実に凡庸なのである。パーソナリティが発現していることと、クオリティが低いせいで凡庸になってしまっていることは両立するのだ。

　すごさの方向性は、実に多岐に及んでいる。一方で、おもしろいことに、へぼい曲というのは、そのほとんどが、類型化された、同質化したダメさを持っている。

　リズムの知識がない人間が打ち込んだリズム、キーの概念がわからず、トーナルセンターの感覚がない人間が打ち込んだメロディ、楽理の知識がない人間が打ち込んだ和音、キックの小さすぎるクラブミュージック、抑揚のない展開。まあなんでもよいのであるが、ダメな曲というのは、大抵耳馴染みのあるダメさをしている。

　C4P作文の執筆において多分に参考にしている谷美奈著『「書く」ことによる学生の自己形成 ──文章表現「パーソナル・ライティング」の実践を通して』（東信堂、2021年）にて、パーソナルライティングについての記述がある。アカデミックライティングと対になる概念として、個人が主観で個人的なことを自由に書くことを指す言葉であるが、ライティングの経験が希薄な個人に、パーソナルな内容の文章を書かせると、好きな人に振られたとか、家庭環境がやばすぎるとか、極めて個人的なテーマの文章を書いているにも関わらず、はたから見るとありふれた、凡庸な文章になってしまうという記述がある。私的な内容を、私的に書いているはずなのに、ありふれたつまらないものが出来上がってしまうことへの課題意識が述べられている。

　凡庸な曲にパーソナリティが宿っていないかというと、そんなことはない。宿っている。ただし、技術の不足が凡庸さを生み、凡庸さがパーソナリティを埋めている。

　なぜ凡庸さが同質化するかというと、技術がない状態では選択肢が狭いからだ。使えるコードが少なければ、似たような進行になる。リズムの引き出しが少なければ、似たようなパターンになる。選択肢が少ない人間同士は、似たような選択をするしかなく、結果として似たようなものが出来上がる。逆に、すごい曲が多様であるのは、技術によって選択肢が増え、そこから何を選ぶかに個人差が出るからだ。「できない」だけでなく、「思いつかない／聴き分けられない」せいでもあるが、このボトルネックとなるものも技術不足による制約と言ってしまってよいだろう。技術がつくと、選択肢が増える。選択肢が増えると、何を選ぶかにパーソナリティが反映される余地が広がる。前章で述べた技術の層の範囲は、そのままあなたの選択肢となる。それに加え市場クオリティの層が存在し、エジプト料理屋が売れにくいように、それを指標として追い始めると、探索範囲が狭まる傾向にある。

　パーソナリティ自体は最初からあるのだが、選択肢が少ない状態では、それが出力に現れる経路が限られている。選択肢を狭めるのは、技術不足と市場の影響である。技術の向上とは、パーソナリティの出力経路を増やすことだと言ってもいい。その上で、市場にアジャストするかどうかはあなた次第である。ここでいう「凡庸を脱する」とは、市場で勝つためではなく、自分をよりくっきり見るためだ。

　ここで、ひとつはっきりさせておきたいことがある。自分がパーソナリティの話をしているのは「クオリティが低くても大丈夫だよ、パーソナリティがあるからね」とへぼい人への慰めとしてではない。C4Pの本旨はそこにはない。クオリティが高かろうが低かろうが、パーソナリティの取り出しは独立した価値を持っているということが言いたいのであって、へぼくても堂々として、お天道様の下を歩くべきであると伝えたいだけである。クオリティの低さをパーソナリティで補填しようという話では断じてない。

　技術（実現精度）が上がるほど、パーソナリティはより鮮明に取り出せるようになる。さらに、作品数が蓄積するほど、その輪郭は安定する。前章で書いた意図の実現精度の話と同じで、技術の層を鍛えることはC4P的にも得なのだ。だからクオリティは上げた方がいい。へぼくてもいいとは言った。でも慰めはしない。する必要がないからである。

C4P_text

心のエジプト

　今まで散々C4Qイデオロギーがどうだとか、クオリティ主義者がどうだとか、散々な言い方をしてきた。だが、クオリティは低くてもよい、とは言ったが、クオリティは低くあるべきだとは言っていない。クオリティが低いことを恥じずに堂々としなければならないのはそうだが、一方で、やはり可能な限り質は向上させるべきである。

　日本一うまいラーメン屋と、日本一うまいエジプト料理屋があったとする。どちらが儲かっていそうかというと前者である。どちらもクオリティの高さは客観的に認められていて、その傑出度が同等であるとしても、市場が求めているのはラーメンである。エジプト料理屋の主人は腕が足りないのかというとそうではなく、日本一で、くそうまいエジプト料理を提供する。値段もリーズナブルで、店もいい感じの雰囲気であるとする。それでもなお、ラーメン屋の方が儲かるであろう。足りないのは、エジプト料理に対する市場の需要である。これは主人の腕とは全く別のファクターが作用している。

　C4Qには二つのレイヤーがある。ひとつは意図の実現精度のための技術で、もうひとつは市場的クオリティだ。

　意図の実現精度とは、やりたいことをやりたいようにできるようになるための能力が、どれくらいあるかという話である。テニスをするには、最低限枠に入るサーブを打たないと試合にならない。安定したテンポをキープできないドラマーは活躍の場があまりないであろう。逆に、すごいスピードで様々な球種をライン際に打ち込む能力があれば試合を有利に進められるし、ミリ秒単位で正確に音価をコントロールできれば素晴らしい演奏ができるだろう。意図は任意のものであり、どのような形であれそれを実現できればクオリティは高いと言える。ジャズだろうがノイズだろうがアンビエントだろうが、自分のやりたいことがあり、意図通りの曲が作れていれば高クオリティである。エジプト料理屋の主人は、エジプト料理という方向の中で技術を極限まで高めた。これもC4Q的な研鑽である。

　一方、市場的クオリティとは、他者の反応の総和であると言える。いわゆる「客観的にすごい」状態はこれである。意図の実現精度の層では自分だけが重要であったのに、こちらでは他者全員の好みが変数に加わる。関わる人数がまるで違う。ここでは単純な人の数が重要になってくる。テクノとポップスを比べると、ポップスの方が稼げる可能性が高い。これは単にリスナー規模の問題である。意図の実現精度と市場的クオリティの間で決定的に違うのは、他者が“スコア”として介在するかどうかである。

　どれだけ腕が立っても、市場がエジプト料理を求めていなければ客は来ない。場合によっては、自分のやりたい方向を曲げて、市場が求める方向に寄せなければ数字は動かない。エジプト料理屋がラーメンをメニューに載せるかどうかという判断は、意図の実現精度の層には存在しない問いだ。技術は市場的クオリティの必要条件であって、十分条件ではない。まずいラーメンは論外だが、うまいだけでは行列はできない。

　個人で閉じた技術の層を鍛えることは、どんな態度の下でもやって損はない。エジプト料理を極めること自体には、市場の都合は介在しない。自分のやりたいことの実現精度を上げるということは、パーソナリティの取り出し精度を上げるということでもある。頭の中にある意図を正確に出力できる能力はC4P的にも純粋な資産となる。技術の層においては、C4QとC4Pは相補的な関係にある。

　一方で、市場的クオリティの層は、C4Pと正面衝突する。他者の反応の総和を指標にした瞬間に、良し悪しの定義権が自分の外に出る。自分の方向を曲げてでも他者の好みに寄せるという動作が発生するのは市場の層においてのみであり、技術の層にはその力学がない。

　しかし、世の中はこの二つのレイヤーを区別してくれない。常に二階建てである。さらに厄介なことに、技術の層には、それ単体でも優劣の比較の俎上に上がりやすいという性質がある。自身で閉じているということは、よりアイデンティティと結びつきやすいということだ。足が遅いというだけで少年の自己肯定感は下がってしまう。それには運動会という名の市場での敗北は別に必須ではない。技術であれ市場であれ、C4Q的態度の先には他者の眼差しがあり、最終的にそれを追いかけさせられることになる。

　エジプト料理屋の主人が売れるためにとりうる方針は大きく分けて二つで、さらに腕を磨くか、程度はどうあれラーメン屋になるなどの市場適合をするかだ。どちらを選ぶにせよ、主人がかつてエジプト料理屋であるという事実は変わらない。どの道を選ぶにしたって基本的にクオリティは上げられるだけ上げた方が生存確率は上がる。悪いのはC4Q側の圧力が常にC4P側に干渉しているという構造であり、本書で言ってきたことは煎じ詰めればそれだけといってもよいかもしれない。

　世の中の人間というのは、ラーメンを好むくせに、往々にして心の中にエジプト料理屋のような性質も同時に持ち合わせている。己の中のエジプト料理屋を捨てるかどうかは、あくまで市場の問題であるという事実を認識した上で、自分の態度を決めることだ。そもそもエジプト料理はうまいし。

ショッピングモール

　高校生のときに、住んでいた兵庫の西宮にガーデンズという巨大ショッピングモールができた。今津線も宝塚線もカバーするターミナル駅としてはいまいちパッとしなかった駅の大開発ということで、それはそれはもうできる前から大ごとであった。完成してからも、駅前のバーミヤンでバイトをしていた関係で、何かにつけてガーデンズに行っていた。都会にしかないようなセレクトショップが入っていて、バイト代を握りしめて服を買いに行った。

　大学生の時に、住んでいた京都の桂に巨大なイオンモールができた。こちらもいまいちパッとしなかった桂川エリアの一大開発であった。周りにマンションなども建ちまくり、なにか勢いというか、ムーブメントみたいなものを感じた思い出がある。素晴らしいことに映画館が入っていて、映画のためだけにシティに行く必要がなくなった。

　日本の街を田舎/郊外/都会と分類した時に、それぞれの共通の物語みたいなものは実はあまりない。自分は明確に郊外の出身であるわけだが、この3つのどこの出か、というのが人格形成に与える影響は非常に大きい。同じカテゴリで育った人間と、そうでない人間では、共有できる体験にだいぶ差があると感じる。

　住んでいる街に巨大なショッピングモールができるという体験は、自分と同世代の田舎-郊外に住む人間にとっては、地域を超えて共有できる貴重な物語である。自分の住む町に大きな変化が起こる。ワクワクしたり、生活が便利になったりといった好意的な感情を持ったり、画一化を憂いて嫌悪感を抱いたり、リアクションはさまざまであるが、とにかくモールの誕生によって、町の姿がドラスティックに変わるわけである。

　自分より上の世代は、こういった都市の変容の体験を、インフラ開発で体験している。子供の頃に明石海峡大橋が開通したことをよく覚えているが、巨大な橋がぶち建てられて、本州と四国が車で行き来できるようになる、なんてことはその際たる例である。道路でも線路でもいいが、存在しなかったインフラが爆誕して、生活にポジティブな変化が起こるという体験は、他に変え難いものであろう。公共工事で、明らかに暮らしの利便性が改善する。これは自分の世代ではなかなか体験できなかったことである。

　ここで問題が一つ浮かび上がる。自分の下の世代は、なににぶち上がればよいのだろうかということである。単純に人口分布の問題で、一部の都会を除くと、今後巨大開発がバンバン起こるとは考えにくい。開発どころか、インフラの維持で精一杯で、なんなら縮小していくことになる部分もあるだろう。維持は、その大変さとは裏腹に、物語を生みづらいという性質がある。自分はショッピングモールを通して、開発のワクワク感の幻をかろうじて見ることができたが、しょんぼりしていくだけの郊外-田舎の風景に、普通の人は耐えられないのではないか。

　近年、大阪の行政主導で、てんしば広場やグラングリーンなど、都市型のピカピカの公園が作られた。どちらも見た目も居心地もよく、遊びに行くとなかなかよい気持ちになる。これを下の世代における、開発による成長の記憶とできるならばよいが、田舎/郊外/都会における、郊外のカテゴリ内の、上澄み以上の格の駅でないと難しいだろう。シティにのみ許された開発様式で、モールのような汎用性はない。土地を超えて共有できるような物語を作り出すのは大変であろう。

　ショッピングモールは、あまりに商業的すぎるがゆえに、「どこも同じ風景になる」薄ら寒さと共に、なにもない町の象徴みたいに捉えられることも多い。しかしながら、ふと、これは世代最後の成長の物語であったのではないかという恐れを感じてしまったのだ。

　成長を身体的に享受しづらくなった下の世代が「ぶち上がり」をどこに求めるかを安直に考えると、東京に行くか、デジタル領域に行くかの2択になってくる。

　都内だけは、本当にずっとなにかが開発されていて、巨大なビルが、商業施設が、コンセプチュアルな場が、誕生し続けている。東京に行けば、この開発による、なんらかの爆誕の物語の一員になることができる。巨大な資本が介入し、常に開発できる土地がないかを探している。よい場が見つかれば、すぐになにかが建つ。若者が都会に行きたがるのは至極真っ当に思える。

　デジタル領域にもまだ可能性はあるだろう。もう最近はメタバースなんていう言葉を聞く機会も減ってきたが、discordなどでのクローズドなオンラインの非同期コミュニケーションとそれに付随する文化は、都市開発に匹敵するアツさがあるようにも思える。しかしながら、デジタル空間での拡張体験が、都市開発の代替になりえるかはわからない。

　親が転勤族だったせいで、そもそも特定の土地に根差したエモが自分にはない。しかし、理由はわからないが、田舎/郊外/都市の内の郊外カテゴリを好んでいて、そこから出たくないという謎の執着がある。ここで、成長の物語なき時代に、郊外で暮らすとはどういうことかという問題に直面するわけだ。自分が前向きな人間であれば、「縮小にも固有の物語がありうる」と信じることもできただろうが、いまいちそうはなれない。開発＝外から与えられる物語に頼らずに、自分の場所に意味を見出すという意味で、創作での自己実現に、ある種賭けている部分は否めない。音楽を作り続けることが、どの程度、都市開発のぶち上がりの代替になりうるのかは正直よくわからない。郊外に暮らす大半の人間には、一体なにが残されているのだろうか。

(C4P軸での)DJ論考察

　自分は音楽プロデューサー/DJであると同時に、無類の論Loverであり、議論狂であり、考察厨であるので、その興味がクロスする爆心地であるDJ論なんていうのは大好物であるはずなのだ。ここで、なにが問題かというと、おもしろいDJ論が全然見当たらないのだ。

　既存のDJ論を言説の機能で分類すると、「ハウツー（こうやれ）」「ポリティクス（こうすべき／すべきでない）」「メタ（DJ論自体への態度）」の3つに分けられる。

　1つ目はシンプルで、スクラッチやミックスの操作技術、rekordboxの使いこなしやレコ屋digの方法など、要は「こうやれ」というハウツーだ。2つ目は、事前にセトリ組む組まないとかSync機能の是非とかみたいなスタンス、イベントに呼ばれる呼ばれない、チャラ箱と音箱、アニクラの作法、現場でのマナーなど、要は「こうすべき／すべきでない」というべき論である。3つ目はシンプルに「DJ論ってしょうもないよね」とか、「DJ論ネットに書くやつはダサい」とかそういう視点だ。

　なにが恐ろしいかというと、ほぼすべてがDJ同士の内輪の目線で書かれているところである。書き手が想定している読者は常に「他のDJ」である。構造的に、同じDJという立場の人間に対して、「どう振る舞うべきか／どう見られるか」という関心のみに駆動された、同業者間の規範闘争がほとんどを占めているのだ。

　それらの言説空間は、自分に言わせてみれば完全に中間の、むしろ重要ではない部分である。本当は、両端にあるはずの「聴く側の体験」と「やる側の内面的充足」こそがエキサイティングな部分であると考える。DJの一番面白いところは、客がおもろくなれるところと、自己実現に繋がるところである。が、そこが両方とも抜け落ちているので、既存のDJ論にアツくなれないのだ。

　まず第一に、DJなんてものは客商売であり、サービス業である。サービス業なんてものは、いの一番に顧客満足度を調査すべきであるし、他業種では例外なくそれが行われるわけだが、”DJ論”において、顧客のニーズも満足度も、ろくに調査された試しがない。「DJたるもの、フロアのために尽くすべし」と顧客目線の重要さは語られるが、その語りかける相手は他のDJであり、実際の客の存在はなおも宙に浮いたままである。フロアの客がどう感じているか、何を求めて来ているか、満足して帰ったかという、実際の視点は驚くほど無視されている。

　自己実現の軸も同様にほぼ空白である。DJがクールであるのは、サービスであると同時に、表現のためのアートフォームであるという二面生にある。パーソナリティとは選択の連なりである、と主張する自分にとって、曲を選んで流す、なんていう行為は最高としか言いようがないのだが、既存のDJ論のなかで、曲の連なりに滲む自分らしさそれ自体が語られることはほとんどない。

　本質的にDJ行為が素晴らしいところは、選択肢の数がちょうどいいことである。曲を連続で再生する、という行為は、「任意の時間軸に任意の出来事を配置する」という時間芸術の、かなり選択空間が狭められたものである。この狭さが実にちょうどいい。聴く方もやる方もちょうどいいから、歴史を超えてここまで普及しているわけだ。

　創作論が「(業界内の)評価基準」ばかりで語られ、「受け手がどう変容するか」も「作り手が自分のためにどう作るか」も言語化されないという構造に震え、書き始めたのがこのメルマガのC4P作文である。そして、「DJ論」はあまりにもその典型例として世に跋扈している。同業者間の競り合いみたいな、どうでもいいところが、すり切れるまで擦られていく。水商売でありながら自己表現そのものであるという一番面白いところが語られず、中間でもにょもにょしている。DJ論のつまらなさは、C4P概念の普及不足によって起こっているとすら思える。みんな、本当に面白い、本物のDJ論を書こう。DJ論は絶対におもしろくなるはずや！(このテキストは「メタ（DJ論自体への態度）」に該当します。)

任意のタイミングで

　作曲に広く使われるポピュラーな楽器の例として、ピアノとギターが挙げられる。こいつらのなにが嬉しいかというと、和音を鳴らせて、メロディも弾けて、音の長さをコントロールできて、口が空いているので合わせて歌うこともできるという部分になる。単音しか鳴らせないもの、音の長さを制御できないもの、口が塞がるものは汎用性が下がるため、利便性がやや下がる。実際問題、作曲家と呼ばれる人で、ギターも鍵盤の類も一切使わない人はかなり限られるだろう。自分も得手不得手はさておき、どちらも使っている。

　話がやや飛ぶが、音楽制作を抽象化すると、「時間軸の任意のタイミングに、任意の音を配置する」ことになる。ここでいう「任意の音」とは、少なくとも音程・長さ・音量・音色・テクスチャをこちらの意図で動かせる、という意味である。もっと汎用的な話をすると、時間芸術とは、「時間軸の任意のタイミングに、任意の出来事を配置する」営みであるといってよいだろう。この定義に則ると、「時間軸の任意のタイミングに、任意の音を配置しやすい道具」が、作曲における優れたツールであることになる。

　ピアノやギターは、演奏技術を磨きさえすれば、任意のタイミングに、任意の音程/音価の発声をさせることができる。一方で、音色は弦の振動ベースの、その楽器で可能な範囲でしか操作ができない。任意の音というには、いささか狭すぎるのだ。もっともポピュラーな作曲ツールであるはずのこれらが、全くもって「時間軸の任意のタイミングに、任意の音を配置しやすい道具」になっていない。

　「時間軸の任意のタイミングに、任意の音を配置しやすい道具」の究極の理想形をいうと、脳とスピーカーを直結して、脳内で思い浮かべた音を脳内で思い浮かべたタイミングで鳴らせることができればベストであろう。そんなデバイスはないし、脳内で理想のサウンドを完璧にイメージできるほどできた人間もいないだろう。現状でもっともマシなツールを考えると、ハードウェアで言うとサンプラーになるし、ソフトウェアでいうと一般的なDAWになる。どちらも、「時間軸の任意のタイミングに、任意の音を配置する」ことを意図したインターフェースになっているからだ。要するに、抽象化された”音楽制作”の行為そのものに真剣に向き合うならば、サンプラー／DAWが最も素直な実装になっている。

　しかしながら、ギターやピアノの普及具合に対して、サンプラーもDAWも世に行き渡っているとは言い難い。これがなにを意味しているかというと、「時間軸の任意のタイミングに、任意の音を配置する」ほどの自由度を人々は求めていないということになる。もっと正確にいうと、人間が扱うには自由度が高すぎるということだ。

　なので、ちょうどよくなるまで選択肢を削減することになる。平均律を用います、と決めた瞬間に無限の分解能をもった音程は1オクターブたった12音に離散化され、BPMを決めた瞬間に、自由に伸縮可能だったはずの時間は均等なタイムグリッドを基準に考えることになる。その程度の規模縮小ではまだ足りず、一般的にはさらに削ることになる。「ピアノ曲を書きます」と決めた瞬間に音色がピアノで出せる範囲に限られるし、「メンバー4人のバンドで演奏します」と決めた瞬間に楽器編成が確定する。合唱しますとなれば同時発生音数や最大音量も人間が出せる範囲に制限される。

　正直、いくら削っても削りすぎることはないくらいである。ファミリーコンピュータの音源チップは矩形波2和音、三角波1音、ノイズの4音（DPCMは無視します、すんません）しか鳴らせないが、そこまで制限されても、なお一生を賭ける価値があるほどの選択肢が残っている。さらにその制限下で作られたものは、人の心を動かすことができる力がある。

　「ディグ・ダグ」の章で述べた通り、「パーソナリティ」が「選択パターンの総体」であるとするならば、選択肢は多ければ多いほど良さそうである。が、広すぎるマインクラフトのマップでは誰も出会うことがないように、広すぎると途方もないので、ワールドを適切な範囲まで狭める必要がある。そして、その狭めかたこそが個々人のパーソナリティとなる。

　自分はよく曲作りをサイコロを振ることに例える。それ自体も重要であるが、振る以前の、無限個あるサイコロの中から、振るサイコロを数個選んでくる段階がなによりも大切なのである。

　自分が、無限個のサイコロからほんの数個を選んでチョロチョロ振っているという事実に無自覚であることは本当によくない。究極的には「時間軸の任意のタイミングに、任意の音を配置する」ことがやりたいのだが、それは銀河のような広大さで、キャパ超えしてるので、絞っている。

　捨てたサイコロを知れば知るほど、振る際にアツくなれるわけだ。あのサイコロを捨て、このサイコロを投げている。無限個のサイコロから選んでいるのでそれは誰とも被らない。曲を作り始めた時点でパーソナリティが発現する、というのはこういう理屈になっている。

あいつ、音楽やりそう

　音楽をやるのは、基本的に音楽をやりそうなやつである。そして、そういうやつのほうが残りやすい。親がミュージシャンだったり、家が裕福だったり、近所に楽器屋があったり。そういう環境が揃った人間は音楽を始めやすい。当人にとっては悪いことは一つもない。全て、音楽をやる上でポジティブに作用する。結果として、”音楽をやってる人”像の分布は偏る。

　資本的なことだけで考えても、平民の可処分所得は減る一方なので、実家が太い人は、そうではない人と比べて、それだけで単純に、とても創作活動を続けやすくなる。首都圏とその他の文化資本格差みたいなものもしばしば話題になるが、親が音楽に興味がなく、近所にライブハウスも、クラブも、楽器屋も、スタジオもない街に生まれた人間が音楽を始めづらいのは現代も変わらない。コンピュータの普及によって人類総クリエイター時代がやってくる！みたいな極論もあるが、実際は根本的になにかが変わる様子はなく、一極集中的な意味ではなんなら状況は悪化しているように思える。

　ここで、テクノロジーによって創作のハードルが下がる、みたいなIT民主化話の一番アツい部分というのは、単純なプレイヤー人口の増加というよりも、「音楽をやらなさそうだったやつが音楽をする可能性が増す」ないしは”音楽やりそうなやつ”の範囲が拡大するところにあると考えている。自分は、芸術の可能性を、この「今までやらなさそうだったやつがやるようになる」部分に見出している。従来の生存者バイアスから漏れた、かつての価値観では音楽に適性がなさそうであった層がそれに取り組むことが、何よりも手っ取り早く音楽を面白くできると思っているのだ。

　この、従来の生存者バイアスから漏れたやつというのは、つまるところ、C4Qの勝負において不利な側である。幼少期の音楽的な訓練を経ていないとか、狭小アパート暮らしで楽器に触れる機会がないとか、リソースの不足がもたらすのは基本的には不利益である。ここでいう不利益というのは、基本的にクオリティの話になる。3歳の時からバイオリンを触っていた人間と、30歳でiPhone越しに初めてピアノロールに相対する人間の楽理のリテラシーには雲泥の差があるだろう。しかしながら、そのクオリティにおける不利益を棚に上げると、いままで音楽をやりそうもなかった層が、スマホとかパソコンのソフトで曲を作るほうが、未開拓な領域が広がるのではないかと思ってしまうのだ。

　自分の音楽のおもしろさを考えた時に、本来だったら音楽をやっていなかったはずの人間が、何かの間違いでそれをやり続けてしまっている、という部分が非常に大きいと考えている。クラシックの音楽エリートが、全てを投げ打って10年間ピッチアップしたボーカルサンプルをチョップし続ける奇行に走る可能性はほぼゼロに等しい。音楽をやらなさそうな人間が本気で音楽に取り組むことは、クオリティという点にのみ目を瞑ると、資本的な意味ではなく、新規な選択パターンの供給という点で、手付かずの金脈に向かう行為と言って良い。

　専業主婦が家事の合間にホットヨガに通う、なんていうのはよく聞く話である。が、その合間に打ち込みでテクノを作っても良いわけである。テクノ主婦もこの世に存在はしているだろうが、ホットヨガ人口にはダブルスコアで負けるだろう。おじいさんが盆栽の代わりにサンプラーでビートを作っても良い。八百屋のおっさんが開店前にサイン波を変調させてエレクトロニカを作ってもいいだろう。とにかく、今当たり前でないパターンを当たり前にしないといけない。

　逆に実家が太く、文化資本が豊富な背景で育ったミュージシャンがルサンチマン的な観点で叩かれるなんてこともよくあるが、これも間違っている。音楽をやりそうな人間であればあるほど、選択パターンの観点ではレッドオーシャンと言えるからだ。絶対的なクオリティ比較では有利であるが、音楽の歴史においての選択パターンで考えると、将棋で言うところの矢倉の展開のような、多方面に十分に研究し尽くされた手順みたいなものである。ようするに、みんな大変で、どの立場も妬みの対象にはなり得ないのだ。

　とにかく、自分が音楽をしなさそうなやつであるという自覚がある人間ほど、音楽を始めることで、ステレオタイプな音楽やってるやつ像を破壊して、世の中をよくするチャンスがあるということだ。音楽やらなさそうなやつが音楽を始めれば始めるほど、音楽は勝てるやつだけの遊びじゃなくなるのだ。クオリティの序列より、選択の差異が面白いという空気を世に吹き込むのは、”らしくない”側のやつの仕事である。

https://www.dropbox.com/scl/fi/3qtrf80hl6enmq88azs3r/C4Pver2.pdf?rlkey=j2wkquqjbox7snmoysfws5c39&st=74dx67hf&dl=0

興味がない人には大変申し訳ないのですが、C4P数理モデルがver2になりました。

substackに数式を書くのが面倒なので詳細はpdfをみていただければと思いますが、

• 「よさの定義権が個人にある」という点

• 選択行為そのものがパーソナリティ発現であるという点

• 鑑賞もまた創作と等価なパーソナリティ発現であるという点

の3つが前回モデルでは表現ができていなかったので、対応できるように三つの空間の射影で表現しました。まだまだ荒く、改善の余地がありますが、土台はできたという手応えがあり、やや満足してます。

お知らせ

　2026/5/4(月祝)に開催の文学フリマ東京42 に申し込みました。抽選に受かり、去年の年末のようなのっぴきならない事情が発生しない限り、自主制作C4P作文第1刷をこの日より販売予定です。近郊にお住まいで興味がある方は様子を見にきたりしてください。

　数理モデルに関してアドバイスをくれたり、ブログなどでC4P作文に関する感想や批評などを書いてくれている人がちらほらいます。本当にありがたい話で、そういった方はネガティブボジティブにかかわらず協力者として認定しますので、本ができたら贈呈します。本の印刷が済んだ後に、発送先など教えてくれたら無料で送りますのでご連絡ください。たくさんネットに感想を書いて、有村を破産させよう！

　当然ですが、買ってくれるのが一番ありがたいです。もちろん紙verのために加筆修正および新章の追加、編集などもします。自分でやっといてなんですが、ほぼ全文がネットで読めるのに買うという購買行動が起こりえるのかは結構謎で、それも含めて挑戦という感じもします。

　C4P作文を初めて以降、ヌクモリティを感じられるのはヌクモリティを信じるものだけということをつくづく感じます。このメルマガの登録者数も1000人に到達しようかといった感じで、この内容で1000人に読んでもらえるんだから世の中捨てたもんじゃないなーと毎回感じながら作文してます。気持ちのいい内容ばかりではないと思います。それでも読んでくれる人がいるのは本当にありがたいことで、いつも感謝と共にパソコンをカタカタしています。

　ということで、C4P第一部完を目指して頑張ります。今度とも何卒よろしくお願いします。